Ubiquitous Limits – Polença

[ES]

El límite ubicuo

En la obra de Pedro Calapez, el límite –en tanto figura, propuesta, forma y discurso– se asume como programa plástico central que el artista reinventa a cada gesto, obra o exposición, descubriéndose en todo momento proyecciones que revelan límites cromáticos, materiales, espaciales, temporales, territoriales y culturales. El artista confiere a cada imagen una dimensión pictórica, sin privarla, sin embargo, de su cualidad visual, es decir, cada obra del artista está dotada de una existencia paralela en mundos contiguos, donde las imágenes y la realidad se confrontan en una convivencia mutuamente constitutiva. Si, en su labor artística, parece existir un rigor abstracto, existe, simultáneamente, una predisposición a establecer una visualidad concreta e ilimitada que convoca límites –el límite entre lo abstracto y lo concreto/figurativo es el ejemplo mayor del campo de investigación de Calapez– para sobrepasarlos. Siempre.

La exposición que el artista ahora presenta explora esta discursividad (y elasticidad) del límite que se insinúa desde pronto en la enunciación del título (no solo de la exposición, sino también de las obras y series expuestas). Remitindo al territorio exterior a un área previamente circunscrita, como a una zona prohibida, inalcanzable, inaccesible, configura un mapa semántico, casi arquetípico, como si la mirada del artista estableciese una cartografía de límites donde caben (todas) las fronteras –siempre rasgos efímeros– del mundo.

Los distintos trabajos presentados en la exposición se organizan en torno a dos grandes ejes: pinturas objetuales y pinturas de fragmentos, que revelan una convivencia natural (y no naturalizada) entre piezas aisladas y piezas de conjunto. Todo el aparato expositivo revela una vocación hacia la instalación, recurrente en las exposiciones del artista, que obliga a un cuestionamiento sobre la esencia de cada obra. Si la mancha de color, el recurso al óleo y al acrílico, la estabilidad, aunque fragmentada, sugieren que estamos ante pintura, todos los demás gestos permiten desvelar, igualmente, una sensibilidad escultórica. Puede, por eso, afirmarse que la obra de Pedro Calapez habita zonas limítrofes entre soportes, resultando de ello una inestabilidad consustancial, asumida, y que es consecuencia de meticulosos procedimientos plásticos. 

El límite es la instancia ubicua en el interior de la obra del artista, unidad mínima que se multiplica en formulaciones distintas, formando un laberinto que se expande en sí mismo, pero no ofusca un posible destino, ofrece salidas (y, seguramente, entradas) para un territorio donde la imagen es espesura de reflexión crítica y de contemplación analítica.  El límite surge como imperativo epistémico, es decir, como guía que ayuda al espectador a recorrer –y, en consecuencia, a conocer– sendas que revelan, al mismo tiempo, el «dentro de» y el «fuera de»; el límite surge como instituyente de la posibilidad de la transgresión. Es la consciencia del límite que configura paisajes –no necesariamente naturales– siempre soñados que se amplían más allá de cada superficie pintada y constituyen ese espacio sin retorno indicado en el subtítulo de la exposición, territorio estético y ético de subjetividad de la mirada.

Ana Cristina Cachola

Ana Cristina Cachola es doctorada en Estudios de Cultura por la Universidad Católica Portuguesa, institución donde enseña como docente invitada. Es curadora independiente e escribe regularmente para catálogos e otras publicaciones académicas y artísticas.

[EN]

The ubiquitous limit

In the work of Pedro Calapez, the limit – as a figure, proposition, form and discourse – plays a key role in the visual look invented anew by the artist with every addition, piece of work or exhibition. This results in the ongoing discovery of new points of focus that reveal chromatic, material, spatial, temporal, territorial and cultural limits. The artist gives each image a pictorial dimension, while nevertheless maintaining its imagetic quality. To put it another way, every piece by the artist is endowed with a parallel existence in contiguous worlds, where images and reality come up against one another in a mutually constitutive interaction. While there seems to be an abstract rigour to his art, there is also a predisposition towards establishing a concrete visuality that is limitless but evokes boundaries, only to overcome them – the frontier between the abstract and the concrete/figurative is a constant feature of his work.

The present exhibition explores the discourse (and elasticity) of the limit, as hinted at from the very outset (not only by the title of the exhibition, but also those of the pieces and series of work on display). The multiple meanings suggested hint at the previously restricted nature of the external space, and also at a forbidden zone – unreachable, inaccessible – that comprises a semantic, almost archetypal map, as though the artist’s gaze has set out a cartography of limits, consisting of (all of) the borders in the world, all of them transient incisions.

The pieces featured in the exhibition are arranged in two main sections: objectual paintings and paintings of fragments. These attest to a natural (but not naturalised) affinity between isolated pieces and works that form part of a series. The whole apparatus behind the display reveals a penchant for installation that can often be seen in the artist’s exhibitions, raising questions about the status of each work. While coloured surfaces, the use of oils and acrylics, and a sense of stability, albeit fragmented, suggest that we are looking at paintings, all of the other elements also proclaim a sculptural sensibility. As such, it might be said that the work of Pedro Calapez dwells in the borderlands between supports, thus resulting in an unstable status, arising from meticulous visual processes.

The limit is a ubiquitous concern within the artist’s work, a common denominator expanded upon in different combinations, forming an intricate labyrinth that extends outwards of its own accord, without obscuring its potential destination, and offering points of exit (and surely points of entry) to a land where the image is a rich seam of critical reflection and analytical contemplation. The limit emerges as an epistemic imperative – that is, as a guide that helps the viewer to traverse – and thus to know – certain paths that at once show the “within” and the “without”. As such, the limit appears to introduce the possibility of transgression. It is this awareness of the limit that defines landscapes – not necessarily natural – that are always imagined. These extend past the painted surface of the piece in question and represent a space beyond the point of no return, as suggested by the subtitle of the exhibition, which alludes to the aesthetic and ethical dimension to the subjective gaze.

Ana Cristina Cachola

Ana Cristina Cachola is doctorate in Culture Studies by Universidade Católica de Lisboa, where she teaches as an invited professor. She’s also an independent curator and writes for catalogues and other academic and artistic publications.

(This text is an extract of a non-published 2015 text on Pedro Calapez by Ana Cristina Cachola)

1.In 1999 the artist produced a series entitled “Limites” (“Limits”).