Contemplation shifts
Arthobler Gallery - Zurich
28/08/2013 - 05/10/2013
[EN]
On colour and shape
If all artwork depends on how the artist uses materials to challenge an observer, colour takes a special importance. Painting constantly forces the artist to make choices, acts of acceptance or refusal. Rejecting previous lines of work, rethinking tradition and what was done before is always present.
The gesture is manifesting itself in the way the paint drips, but other factors such as the fluidity and colours, juxtaposition or the form and fragmentation of the support and its display are also crucial.
My work has to do with the gaze, how you stare, how you understand the time the eye takes to scrutinize a surface filled with lines and colours. It has to do with memory and traditions of procedures, it tries to understand the surrounding space and what constitutes that space and its interaction with a spectator. It has to do with distance and proximity, fragmentation and re-composition, the relationship of detail with the whole. It deals with the autonomy of the gesture, with the way the hand acts, with the physical act of making a painting, with the smooth and the textured, with the empty and the full and with the equilibrium and the instability. My work has to do with identification and with the capacity of discovery; it continually questions the representation of reality.
Fragmentation is one of the practices I follow. It is a way to discuss detail and the whole. To reconnect the fragments also reveals productive procedures. Very strong colours alternated with smooth and mysterious transitions demands the gaze of the viewer to move continuously in different directions. Observing the panels as a detail or seeing them integrated in a group also reveal different aspects of the work. Another recent trend in my work has to do with the limits of the support. Traditionally the support is canvas, rectangular strong cloth stretched over a wooden structure. But the painting may have a non-uniform structure. The four traditional borderlines can be distorted in different ways: deforming edges, mixing surfaces in different depths, or even fragmenting the support and experimenting with materials. Of course, great care and thought on how paint flows and reacts to these deformations has to be taken.
A more challenging situation is the association of supports of contrasting shapes and their grouping. Notions as stability and continuity of form are questioned. Colours function then as the magnetic tension that group the different shapes. When painting a colour, another can be superimposed over the first one or settle next to it. Building the painting palm by palm is an attempt to foresee results in the progressive filling of the colour and does not follow a pattern. I just as much start at the top as at the bottom or from left to right or I paint group by group of adjacent panels, opposing colour patches within the total surface of the set. Placing a colour next to another produces a scale of interactions, a scale of relationship between them, a scale of correspondence with my gaze. I am dealing with a concrete problem: to put colours, forms and volumes to function. What visual dimension might a set of colours limited by their surfaces take further on in the eyes of the viewer?
The place of communication and contemplation shifts. Images continue to exist beyond what they may illustrate. They establish a world with a vitality of its own in which discussion of reality is a lesser issue. How does one find what exists between each one of these outlines? Are they made up of the pigment? How do we understand what is beyond what is represented? I cannot help getting so close to the surface that everything gets out of focus.
Pedro Calapez
[PT]
Sobre forma e cor
Se o trabalho artístico depende de como o artista usa os materiais para desafiar um espectador, a cor revela-se com especial importância na prática do pintor. Permanentemente a pintura força o artista a fazer escolhas, actos de aceitação e de recusa. Rejeitar linhas de trabalho pré-existentes, repensar a tradição e o que foi feito em épocas passadas, estará sempre presente na prática do artista. O gesto manifesta-se pelo modo como a tinta escorre mas outros factores como a fluidez visual das cores, a sua justaposição, a forma ou a fragmentação dos suportes ou ainda a maneira como são organizados numa parede, são momentos cruciais na prática artística.
O meu trabalho tem a ver com o olhar, como nós nos fixamos no que estamos a ver e damos conta que existe um tempo para o olhar escrutinar uma superfície cheia de linhas e cores. Convoca-se assim a memória e a tradição dos procedimentos numa tentativa de nos apercebermos do espaço que nos rodeia, a sua constituição e interacção com o espectador. O meu trabalho tem a ver com distância e proximidade, com fragmentação e recomposição, com a relação do pormenor com o todo. Discute a autonomia dum gesto pelo modo de actuação da mão e acredita no acto físico de fazer uma pintura. Tem a ver com o liso e o texturado, com o cheio e o vazio, com o equilíbrio e a instabilidade. O meu trabalho tem a ver com identificação e capacidade de descoberta. Ele continuamente questiona a representação da realidade.
A fragmentação é uma das práticas que sigo. É uma maneira de discutir o detalhe e o todo. Religar fragmentos revela-se também como uma produtiva prática. O uso de cores intensas alternando com transições misteriosamente suaves, pede ao olhar do espectador que se mova repetidamente em diferentes direcções. Observar os meus painéis como um pormenor ou vê-los como fazendo parte de um grupo, igualmente se revela com um outro aspecto do meu trabalho.
Tradicionalmente o suporte da pintura é uma tela, uma peça de um forte tecido esticado numa estrutura rectangular de madeira. Mas o quadro pode ter uma estrutura não uniforme. Os quatro bordos, os limites da estrutura tradicional, podem ser distorcidos de muitas formas: deformando as arestas, misturando superfícies com diferentes profundidades, fragmentando as formas ou utilizando diferentes tipos de materiais. Com certeza que enormes cuidados devem ser tomados para se perceber e controlar (ou não…) o modo como a tinta escorre nestas superfícies especiais.
Um desafio maior surge na associação de suportes de formas contrastantes e no seu agrupamento. Noções de estabilidade e de continuidade são postas em causa. A cor funciona então como a força magnética que agrupa as diferentes formas. Ao pintar uma cor, uma outra pode ser sobreposta à primeira ou apenas nela se encostar, criando uma aresta. Processar estas escolhas, construindo a pintura palmo a palmo, é a tentativa de ir prevendo resultados no preenchimento com as tintas. O modo como uma pintura é feita não segue um padrão. Tanto posso começar por cima como por baixo, quer pela esquerda ou pela direita ou ir pintando grupo a grupo painéis adjacentes, fazendo oposições entre manchas de cores que se distribuem pela totalidade do conjunto. Colocar uma cor ao lado de outra produz uma escala de interacções, de relações entre cores e de correspondências com o meu olhar.
Estou a enfrentar um problema concreto: fazer funcionar formas e cores.
Que dimensão visual deverá ter, no olhar dum espectador, um conjunto de cores, visualmente limitadas nas superfícies que as contêm? O lugar da comunicação e da contemplação desloca-se. As imagens continuam a existir para além daquilo que podem eventualmente ilustrar. Elas estabelecem um mundo com uma força própria, em que a discussão da realidade passa a ser um assunto de menos.
Como será que cada um de nós encontramos o que existe entre os limites expostos? Serão apenas interacções de pigmentos? Como compreenderemos o que está para além da representação?
Não consigo evitar de me aproximar de tal modo da superfície pintada que tudo fica desfocado.
Pedro Calapez
